A művészet elvont fogalom, az emberi lény, munkája és természete fogalmának eredménye. Attól függ, hogy a társadalom hogyan látja a világot annak idején, az egyes korszakok világát. De ennek ellenére időtlen, mert a műalkotás megfigyelője a jelenlegi értékrendje szerint értelmezi, minden alkalommal átértékeli. A műalkotás megfigyelője így művészré válik.

fogunk

Az első megnyilvánulásai annak, amit művészetnek hívunk, a mágiához kapcsolódnak: barlangfestmények, istenek szobrocskái stb., Az őskori művészethez. Lévy-Strauss szerint a primitív mítosz és a technikai készség kombinációja. De amit művészetnek hívunk, addig fejlődött, amíg megszűnik ennek a varázslatnak az értelme és kizárólag esztétikai érzéke van. Mindig feszültség volt az esztétika és a didaktika között, a művészet fogalmától és funkciójától függően. Az idők szerint egyik vagy másik dominált.

Marcel Duchamp nemigen törődik azzal, hogy a munkát saját kezűleg készítette, a lényeg az, hogy ő választotta, a valóság normális eleméből vette át és úgy rendezte el, hogy elveszítse azt a funkciót, amelyre való volt létre., és új gondolatot szerez a tárgy számára: műalkotásnak tekinthető. Nem az a fontos, hogy mi tulajdonképpen a művészet, hanem az a valóság, a művészet nyelvének értelmezése.

Görögország óta a művészet összekapcsolódik a természettel, amelyet többé-kevésbé idealizált vagy reális módon értelmeznek. Bár a természet utánzásának módja változik a korral. A realizmus és az absztrakció, a hű utánzás és a többé-kevésbé leegyszerűsített idealizálás között azonban mindig feszültség volt. Az absztrakció a 20. században éri el csúcspontját, nonfiguratív absztrakcióval, amelyet Kandinsky totális művészetnek nevezne.

A 18. század óta a művészetet játékként fogják fel, a művészetet a művészet kedvéért, ahogy a romantikusok mondanák, a tiszta esztétikát és a díszítő elemet további bonyodalmak nélkül. De a művészet is, amennyiben értelmezi a valóságot, a kor tükrének szolgál, valamint a társadalmi felmondás és az emberi átalakulás eszközeként szolgál.

A 19. században a liberalizmus új koncepciót vesz fel arról, hogy mi a művészet, a művész zseniális személyiségének és érzéseinek vetületét; mint Van Gogh, aki szubjektíven fejezi ki a pszichológiáját. Egy harmadik feszültség jelenik meg a művészetben: a hideg utánzás és a kifejezés között. Az expresszionizmus a művészetben minden korszakban megtalálható, de soha nem olyan egyértelműen, mint a 20. században.

A fényképészet megszabadította a művészetet az utánzás megszállottságától, ezért más módszereket kell keresnie, amelyek meghatározzák és individualizálják.

Ezért nincs sem az egyetemes művészet fogalma, sem az egyetemes művészeti nyelv, minden korszaknak és kultúrának megvan a maga, és a művészi megnyilvánulásokat az ő szempontjából értelmezi.

Eleinte a művészet arra az értékelésre utal, amelyet egy műből készítenek, míg az esztétika a mű általános megjelenésére utal, amely lehetővé teszi számunkra, hogy azonosítsuk egy adott időhöz és stílushoz tartozónak. Így a barokk művészetről beszélünk, a 17. és 18. század folyamán készült művészet és a barokk esztétika miatt, amely lehetővé teszi számunkra, hogy barokkként azonosítsunk egy művet, vagy ma festeni egy festményt a barokk festmények megjelenésével. Ez a festmény a megjelenése ellenére sem barokk festmény, mert nem reagál a művészet koncepciójára és a barokk művészek világlátására.

Nem szabad megfeledkezni arról, hogy a művészet kifejezés a latin ars-ból származik, amely képességet jelent, és olyan tevékenységek végrehajtására utal, amelyek specializálódást igényelnek, például a kertészkedés, a sakkozás vagy a háború művészete. Bár inkább kreatív tehetségként értjük zenei, irodalmi, vizuális vagy színpadi kontextusban. Próbáljon olyan élményt kiváltani, amely esztétikus, érzelmi, intellektuális lehet, vagy kombinálja ezeket a tulajdonságokat.

Az esztétika a filozófia egyik ága, amely a szépség és a csúfság lényegéhez és felfogásához kapcsolódik. Célja annak bemutatása, hogy a tárgyakat egy meghatározott módon (esztétikai módon) érzékelik-e, vagy pedig önmagukban rendelkeznek bizonyos tulajdonságokkal (esztétikai). A kifejezést 1753-ban Alexander Gottlieb Baumgarten német filozófus vezette be, bár bármelyik terjedelem első elmélete Platón és Arisztotelészé. Mindkettő a művészetről mint a valóság utánzatáról beszélt, és az esztétikát elválaszthatatlannak tartotta az erkölcstől és a politikától.

A modern esztétikai gondolkodás lendülete Németországban következett be a XVIII. Században, ahol kiemelkedik Johann Gottlieb Fichte filozófus, aki a szépséget erkölcsi erénynek tekintette. Kant, Hegel, Schopenhauer és Nietzsche munkájukban esztétikával foglalkoztak.

A 19. században a művészek elkezdték megkérdőjelezni az esztétika hagyományos megközelítéseit, miszerint a művészet a természet utánzata, és a műalkotások ugyanolyan hasznosak, mint szépek. Így kezdődik az út az absztrakt művészet, a konkrét művészet felé, egy olyan művészet felé, amely nem annak szép, amit képvisel, hanem annak, ami önmagában van. Törekedni fogunk a valóságra való hivatkozások megszüntetésére, nemcsak abban, ami képviselteti magát, hanem abban is, ami a munkát kíséri: a cím, a támogatás stb. Korában sokat kritizálták az olyan művek esztétikáját, mint például Mondrian vagy Maleviché, tömegesen használják a reklámokban.

A klasszikus világ, amely a művészetet a szépséggel és az ideálissal azonosította, a görög világ, nem pedig a római világ, amely szépségkánonját a portréban, a konkrét és nem ideális emberben találta meg.

A szépség fogalma azonban megváltozik az idő, a társadalom és a kultúra függvényében. A szépségnek a valóság utánzásaként való azonosítása, mint a konkrét valóság absztrakciója az ember és a természet lényegének bemutatásához sok köze van Platón barlangmítoszához, amely szerint az, amit látunk, nem más, mint egy tökéletes ötlet (durván elmondva). Így a klasszikus Görögország számára a művészetnek nem a konkrét valóságot kell tükröznie, hanem az idealizált valóságot annak tökéletes formájában. A kánonban alátámasztott tökéletesség: a metszet és a magasság kapcsolata, valamint az összes rész közötti arány, az ember arányai. Ezért kulturális lehetőség, és nem egyetemes.

Sem az egyiptomiaknak, sem a mezopotámiáknak, sem a perzsáknak, sem a kínaiaknak, sem az indiánoknak, sem a kolumbusz előtti népeknek, és a rómaiaknak csak részben volt ez az ideáljuk. Ennek az ideálnak a nyugati világunkban való érvényessége ma inkább a reneszánsz idején történt újjáélesztésének köszönhető, mint egy kulturális folytonosságnak, amelyet nagyrészt megtört a román és a gótika.

A keresztények számára a művészet az istenség allegorikus ábrázolása. A szimbólumot használják: a hal, a galamb, a jó pásztor, a kereszt; mint Isten képmása. A természet hű ábrázolása mindaddig feláldozható, amíg kifejezhetetlenné és esztétikussá nem válik, mert a dolgok nem azt képviselik, amik, hanem valamire utalnak: szerepük van.

A román művészetben megszabadul a téma súlyától. Megjelenik a pantokrátor, a fenséges Krisztus, Isten mindenható Fia, a menny szűzje stb. A keresztény ikonográfiai univerzum azonosságának minden jele.

A művészet akkor kezd aggódni a természet ábrázolása miatt, amikor Isten műve kezd benne látszani, és ezért méltó a képviseltetésére is. Ez a folyamat az 1000 év körül kezdődik. Bizánc és a gótika idõpontjai, de anélkül, hogy elhagynák didaktikai funkcióit és kifejezõképességét, és mozdulási szándékát sem. A műalkotás az érzett szépségből a szellemi szépséggé válik, a transzcendens szimbolikájának köszönhetően.

A reneszánszban az ember visszaszerezte vezető szerepét, mint első művészi tárgyat, a görög-római hagyomány szerint. Az ember Isten legtökéletesebb műve. A portré és a természetesség hierarchia nélkül, az új burzsoázia kezéből kerül elő.

Az emberi alak festett, függetlenül attól, hogy mit ábrázol, szűz vagy kurtizán, Apolló vagy Krisztus, az emberi alak számít. A témát kevéssé érdekli, de a szép a képviselővel szemben.

A művészet tárgya a természeti világ, a világ képe, amelyet a civilizációval azonosítanak. Van egy új humanizmus és egy polgári mentalitás, amely a természettel egyensúlyban keresi az ideális embert.

Utolsó szakaszában, amikor minden technikai megoldást elértek, a ... módjára festik, a manierizmus az, amely az összes klasszikus típust erényesen fogja használni.

A barokkban az emberi alak a művészet döntő tárgyaként áll, de nem idealizált formájában, hanem bármilyen szempontból, legyen az szép vagy csúnya, fenséges vagy mindennapi. Emellett más banálisabb témák is megjelennek, amelyek a természetet felveszik és előtérbe kerülnek a kompozícióban, például állatok, élettelenek, vadászat, csendéletek, munka stb. A jelszó a realizmus.

Hollandiában a flamand iskola az intimitást mint a művészet értékét értékeli. Az első tájak főszereplőkként jelennek meg, bár mindig humanizálták őket.

Utolsó szakaszában a rokokó a tiszta esztétika és a következmény nélküli szépség diadalát hozza a művészet elé.

A rokokó művészet következménytelenségével szembesülve neoklasszikus reakció következik be, amelyben a művészetet az oktatási, didaktikai eszközként értik, az esztétikai racionalizmus és a kritikai szellem szolgálatában. A klasszikus és mitológiai témák helyreálltak. Amellyel a saját idő képviselt alanyai el vannak választva. De ezek erkölcsi jelleget öltenek, a tőkés burzsoázia morálját, amely győzni kezd.

Viszont reakcióként megjelenik az a romantika, amely korának kérdéseivel foglalkozik, és feltárja a polgári élet felfogását. A tájak jelennek meg központi motívumként, ami bizonyos távolságot jelent a didaktikai funkciótól és az esztétikai funkció megközelítését.

Itt van bekeretezve Goya alakja is, egy ragyogó személyiség, aki művészi formában képviseli a csúnyát és a kifejezőt.

Az impresszionizmus elindítja az absztrakció útját, amely a művészet egyik legizgalmasabb kalandja: a művészi szépség keresése a maga érdekében, a valós világhoz fűződő kapcsolatok nélkül. A valóságot már nem utánozzák, többé-kevésbé valós módon értelmezik. Egyre nagyobb jelentőséget tulajdonítanak a színnek, az alaknak, a tájnak és a kompozícióban való kombinációjuk által keltett érzéseknek, és kevésbé a valósággal való kapcsolatuknak. Egy mű a színkombinációk és formái miatt gyönyörű, nem pedig a természettel való hasonlósága miatt.

Az expresszionizmus az intimitáshoz és az intuícióhoz apellál, megpróbál mozogni a szubjektív szellemek felébresztésével, amelyeket mindegyikünk magában hordoz, egy olyan világban, amelyet a technológia, a világháborúk és az ipari kapitalizmus nem érintenek.

A huszadik században voltak szakadások a klasszikus művészetből elfogadott művészi nyelvvel. A forma és a tartalom kapcsolata, a tudattalan hegemóniája, a mű mentális rekonstrukciója felborult. A nézőtől új hozzáállást követelnek meg a műalkotással szemben.

A városi jelenség eredményeként egy új építészet jelenik meg, amely szakít minden hagyománnyal. Városi művészet ez egy városi társadalom számára. Az absztrakció és a figurálás között radikális feszültség van, amely az üzenet tisztasága és egyszerűsítése felé mutat.

Az új technológiák már megváltoztatták a művészet technikáját. A videóval az idő megjelenik a műalkotás szemlélődésében, valamint a mű és a néző közötti interakció kiszámításának lehetőségeivel. Megjelenik egy új művészet, amely már jelen van, de amelynek a 21. században ki kell fejlődnie.